Una exhibición que conecta dos épocas y dos artistas en su búsqueda compartida por lo misterioso y lo trascendente.
La exposición “Vuelo Infinito” invita a explorar la profunda conexión entre Alejandro Xul Solar, una figura central del arte argentino del siglo XX, y Daniel Leber, un artista contemporáneo. A pesar de un siglo de diferencia en sus nacimientos, ambos creadores convergen en una misma vocación: la de abrirse hacia los misterios del cosmos y desvelar lo intangible a través de sus obras.
Xul Solar, multifacético en su genio, fue un creador de imágenes visionarias, astrólogo, y un incansable estudioso de culturas y religiones, impulsando incluso la creación de una lengua universal. Su estilo, donde geometría y palabra se entrelazan con paisajes oníricos y seres cósmicos, sigue deslumbrando e inspirando. Por su parte, Daniel Leber, es un claro heredero de esta fascinación. Su admiración por Xul se manifiesta en su propio trabajo, que comparte la misma inquietud por las tradiciones filosóficas y la búsqueda de lo divino en la cotidianidad. Sus creaciones nos invitan a ver cada imagen como un portal hacia una dimensión más allá de lo material.
Esta exposición no sólo celebra la singularidad de ambos artistas, sino que también reafirma la vigencia de las prácticas espirituales y las tradiciones sagradas en la búsqueda de sentido y autoconocimiento. Xul Solar construyó un imaginario que nos invita a generar símbolos para expresar verdades universales, a creer en la capacidad de renovación humana y a conectar lo material con lo espiritual. Mientras que Leber, desde su perspectiva actual, nos impulsa a reafirmar estas mismas aspiraciones.
De Bach a Yupanqui: El universo sonoro de Xul Solar
Para enriquecer aún más la experiencia de “Vuelo Infinito”, Malba Puertos ofrece un ciclo de conciertos en la Sala del Lago. Durante los domingos de junio, jóvenes talentos interpretarán piezas inspiradas en el universo sonoro de Xul Solar, invitándonos a habitar la exhibición de una manera única.
Las intervenciones musicales, con una duración de 40 minutos y entrada libre y gratuita, se realizarán en tres horarios: 12:30, 14:30 y 16:30. Una oportunidad ideal para que personas de todas las edades se sumerjan en un viaje sonoro que complementa la visión de los artistas.
Programa de Conciertos:
1 de junio: Fernando Robles, Saxofón.
8 de junio: Paula García Presas, Violín.
15 de junio: Manuel García, Clave.
22 de junio: Mauro Papalia, Violoncello.
29 de junio: Carolina Grinspan, Clarinete.
“Vuelo Infinito” se podrá visitar hasta el 31 de agosto de 2025 en Malba Puertos. Alisal 160, Bahía. Puertos, Escobar.
Más allá de sus evidentes diferencias de precio, segmento y prestaciones, analizamos los puntos en común y las filosofías que conectan al BMW Serie 7 con la edición especial y rústica del Jeep Renegade Willys.
BMW Serie 7: Con tecnología de vanguardia
El sedán insignia de la marca alemana ya está disponible en Argentina y redefine la experiencia a bordo con un equipamiento innovador y un rendimiento que eleva la experiencia de viaje a un nuevo nivel.
Desde el punto de vista estético, el exclusivo modelo se destaca por su imponente presencia. Su diseño frontal moderno comparte elementos con otros modelos tope de gama de BMW, como las ópticas divididas, que lo distinguen claramente.
Fabricado en la europea BMW Group Plant Dingolfing, la planta más grande del grupo, el Serie 7 que arribó al mercado argentino incluye llantas de 21 pulgadas, frenos deportivos M, parrilla iluminada BMW IconicGlow, techo panorámico de cristal Sky Lounge y el paquete estético y aerodinámico M Pro. Bajo el capó presenta un motor V8 naftero de 4.4 litros con tecnología BMW TwinPower Turbo y un sistema Mild Hybrid de 48V con recuperación de energía. Este conjunto mecánico, junto con su equipamiento de confort superior, lo posiciona en la cima de su segmento.
“El nuevo BMW Serie 7 marca un hito en la ofensiva de modelos para nuestra subsidiaria, reforzando la cúspide de la gama BMW”, afirmó Ivana Dip, CEO & Managing Director de BMW Group Argentina.
Jeep Renegade Willys: Libertad y pasión 4×4
El esperado Jeep Renegade Willys, la nueva versión tope de gama del SUV compacto, ya está disponible en Argentina. Este modelo, fabricado en Brasil, rinde homenaje a la herencia de Jeep con un diseño robusto y una capacidad todoterreno excepcional.
El Renegade Willys se destaca por su tracción 4×4, listo para cualquier desafío. Su diseño incorpora elementos icónicos como los faros redondos, la parrilla de siete ranuras y las luces traseras con forma de “X”, reminiscencias de los Jeep originales de 1940. Además, introduce el nuevo color Verde Recon, que subraya la identidad de la marca, y cuenta con “easter eggs” que hacen guiños a la historia de Jeep.
El nuevo modelo premium viene equipado con llantas de 17 pulgadas y neumáticos Scorpion ATR+ para un máximo rendimiento off-road. En su interior, ofrece un techo panorámico, asientos con la firma Willys, una pantalla multimedia de 8.4 pulgadas con conectividad inalámbrica, tablero digital configurable de 7 pulgadas y climatizador automático bizona.
En cuanto a seguridad, el Renegade Willys no se queda atrás, incorporando siete airbags y un completo paquete de asistencias a la conducción, que incluye frenado de emergencia, asistente de cambio de carril, detección de fatiga y monitoreo de punto ciego, entre otros.
“El Renegade Willys lleva en su esencia los valores de la marca, como aventura, libertad, autenticidad y pasión”, afirma Martín Fox, Brand Manager de Jeep para Argentina.
El universo del whisky es vasto y fascinante. Lejos de ser una bebida de ocasión, se consolida como una experiencia sensorial en sí misma, capturando la atención de una creciente comunidad de aficionados y curiosos.
El mercado global del whisky está en pleno auge. Solo en 2023, alcanzó la impresionante cifra de 67.900 millones de dólares, con proyecciones de llegar a los 109.800 millones para 2032, según datos de IMARC. Este crecimiento sostenido se debe, en parte, a la innovación constante de las marcas y a una bienvenida desmitificación de su consumo, que lo volvió más accesible y versátil. Hoy, cada vez más personas se animan a descubrir nuevos orígenes, sabores, añejamientos y maridajes, transformando el whisky en una verdadera aventura.
Seis destinos, seis whiskies
En un recorrido por diferentes geografías, estilos y tradiciones, el universo del whisky propone una mirada moderna y sensorial, Roisbert Gonzalez, Brand Ambassador de Chivas Regal en Argentina, nos introduce en el diverso portfolio de whiskies de la reconocida bodega Pernod Ricard, para explorar las posibilidades de la coctelería.
TX Whiskey (Estados Unidos): Un bourbon 100% texano, elaborado con ingredientes locales y una cepa de levadura de nuez única de la región. Con aroma floral, notas de miel de maple, paladar cremoso con toques de canela y caramelo.
The Deacon (Escocia): Una audaz mezcla de maltas ahumadas de Speyside e Islay para quienes buscan sensaciones intensas. Ofrece aromas a naranja carbonizada y humo de leña, un paladar cítrico con suave picante y turba, y un final cálido y prolongado.
Chivas Regal 12 años (Escocia): Un clásico blend escocés añejado en barricas americanas y europeas por al menos 12 años. Suave, rico y generoso, se destaca por su aroma a manzana roja, peras, miel y especias. De paladar cremoso con miel, vainilla y avellanas, y un final prolongado y elegante.
Ballantine’s 7 años (Escocia): Este blend combina la dulzura del whisky americano con la complejidad escocesa. Añejado en barricas americanas, ofrece notas florales, miel y vainilla, con frutas caramelizadas y dulces de miel en boca, y un final dulce y prolongado.
The Glenlivet Founder’s Reserve (Escocia): Un single malt que rinde homenaje a su fundador George Smith, añejado en roble tradicional y americano. Se distingue por sus aromas a vainilla, peras y cítricos, un paladar con manzanas acarameladas y un final largo y cremoso.
Jameson Irish Whiskey (Irlanda): El whisky irlandés más vendido del mundo. Triple destilado, se caracteriza por su suavidad, añejado en barricas ex-bourbon y ex-jerez. Ofrece aromas frutales con notas especiadas y un paladar equilibrado entre frutos secos y vainilla.
Romper mitos y disfrutar del whisky, con una mirada fresca y global, es una invitación constante a descubrir nuevas culturas, sabores e historias.
La temporada invernal se acerca, trayendo consigo la promesa de paisajes cubiertos de blanco y actividades emocionantes en los principales centros de esquí de Argentina, diseñadas para disfrutar con toda la familia.
Con la llegada del invierno, la Patagonia se transforma en un escenario ideal para vivir una experiencia única en la nieve. Estos destinos ofrecen la posibilidad de combinar deporte, naturaleza y descanso en entornos que se encuentran entre los más imponentes de Sudamérica. Ya sea para quienes se inician en el esquí o el snowboard, o para aquellos que dominan las pistas, los centros de esquí argentinos brindan alternativas para todas las edades y niveles.
Más allá de las actividades en la montaña, estos destinos invitan a explorar la gastronomía local, recorrer lagos y bosques, y relajarse en alojamientos de primer nivel. Es una excelente opción para viajar en familia o con amigos y aprovechar las vacaciones de invierno en un entorno distinto y seguro.
Catedral Alta Patagonia, Bariloche: Adrenalina y exploración
En el sector Nubes de Catedral Alta Patagonia, el Snow Park se presenta como un espacio vibrante para esquiadores y snowboarders que buscan superar sus límites. Creado con la seguridad como prioridad, este parque cuenta con todos los elementos necesarios para una experiencia emocionante.
Además, Catedral Alta Patagonia ofrece el Snow Tour, un servicio guiado que permite a los visitantes descubrir los secretos de la montaña: sus paisajes ocultos, paradores, pistas y conexiones. Este servicio está incluido en el pase de esquí y solo requiere un nivel intermedio de esquí o snowboard para participar.
Cerro Bayo, Villa La Angostura: Naturaleza y serenidad
Este centro de esquí boutique se distingue por su oferta de circuitos de caminatas guiadas con raquetas de nieve. Con cinco recorridos diferentes, cada caminata está a cargo de un guía experto e incluye paradas en puntos panorámicos para capturar fotografías, así como degustaciones de chocolates o licores locales. Además, se ofrece una interpretación del bosque por parte del guía, enriqueciendo la conexión con el entorno natural. El servicio contempla seguros para los participantes, raquetas de nieve y bastones.
Chapelco, San Martín de los Andes: Renovación y accesibilidad
San Martín de los Andes se prepara con entusiasmo para la nueva temporada invernal, con grandes expectativas puestas en el Cerro Chapelco. Este icónico destino de nieve ha renovado sus servicios, incluyendo la escuela de esquí adaptado para personas con discapacidad y la escuela de esquí y snowboard para todos los niveles, desde principiantes hasta expertos. Para el disfrute familiar, Chapelco cuenta con una guardería infantil y 14 paradores y refugios estratégicamente ubicados en la montaña para hacer un break y reponer energías.
Las Leñas, Mendoza: Glamping para expertos
En el corazón de la Cordillera de los Andes, en Mendoza, se encuentra Las Leñas, reconocido como el centro de esquí número uno de América Latina. Una opción diferente para vivir su experiencia es a través de Valle Hermoso Eco Lodge, un complejo que ofrece servicios de glamping y restaurante. Esta propuesta está dirigida a deportistas que buscan el mejor fuera de pista, vastas extensiones con óptimas condiciones de nieve o simplemente disfrutar de la tranquilidad y los maravillosos paisajes del valle. La actividad es coordinada por el servicio de guías de montaña de Valle de Las Leñas.
Cerro Castor, Ushuaia: Bosque nevado y diversión única
El centro de esquí más austral del mundo, en Ushuaia, extiende su temporada desde junio hasta principios de octubre. Una de sus principales atracciones es su pista de patinaje sobre hielo, única en Argentina y cuya utilización está incluida en el pase de esquí. El complejo se complementa con 15 cabañas estratégicamente ubicadas entre bosques de lengas, proporcionando una experiencia inmersiva y completa en contacto con la naturaleza.
Este invierno, los centros de esquí argentinos invitan a sumergirnos en una experiencia inolvidable. Diversas opciones de alojamiento, actividades y paisajes nos esperan para disfrutar de la nieve en la Patagonia.
El Museo Lucy Mattos Arte Contemporáneo abre sus puertas para una experiencia artística imperdible con la exposición antológica “El sutil encanto de la materia”, de la reconocida escultora Lucy Mattos.
La muestra, que ya está disponible, ofrece un recorrido fascinante por la trayectoria de la artista, revelando su constante exploración de las posibilidades expresivas de diversos materiales y técnicas.
Los visitantes podrán sumergirse en un diálogo estético que conecta obras realizadas en grafito, madera, bronce, hierro, resina y acrílico, entre otros, destacando la coherencia que subyace en todo el proceso creativo de Mattos.
La exposición promete una experiencia sensorial que invita a la reflexión sobre temas contemporáneos como la condición de la mujer, el medioambiente, las nuevas tecnologías y el compromiso social. El museo se presenta como un espacio vibrante, donde los colores, las texturas y las formas estimulan la curiosidad y las emociones.
Además, el museo programó actividades especiales para complementar la muestra:
“Juventud”: Una micro performance que une la obra de Lucy Mattos con la danza contemporánea, a cargo de la directora y coreógrafa Mayra Fuenzalida. Sábado 14 de junio, 16:30 h.
Taller de Haiku & Origami: Pensado para todas las edades, dictado por la escritora Liliana Luisa Weisbek y la profesora Florencia Scavuzzo. Cupos limitados y arancelados. Sábado 26 de julio, de 10:30 h a 12:30 h.
Liu Jiakun acaba de ser distinguido con el Premio Pritzker 2025, la distinción más importante del mundo que puede obtener un arquitecto. Un hombre que hace un culto poético de la comunión entre obra, entorno y comunidad.
“La arquitectura debe revelar algo: debe abstraer, destilar y visibilizar las cualidades inherentes de la gente local. Tiene el poder de moldear el comportamiento humano y crear atmósferas, ofreciendo una sensación de serenidad y poesía, evocando compasión y misericordia, y cultivando un sentido de comunidad compartida”, expresa el chino Liu Jiakun como una suerte de definición de los principios que han guiado sus cuatro décadas de desempeño profesional. Una larga trayectoria que lo acaban de hacer merecedor del Premio Pritzker de Arquitectura 2025, el máximo galardón de la arquitectura mundial.
“En un contexto global donde la arquitectura lucha por encontrar respuestas adecuadas a desafíos sociales y ambientales en rápida evolución, Liu Jiakun ha proporcionado respuestas convincentes que también celebran la vida cotidiana de las personas, así como sus identidades comunitarias y espirituales”, dijo el jurado al anunciar la distinción. “Entrelazando aparentes antípodas como la utopía frente a la cotidianidad, la historia frente a la modernidad, y el colectivismo frente a la individualidad, Liu ofrece una arquitectura afirmativa que celebra la vida de los ciudadanos comunes. Defiende el poder trascendental del entorno construido mediante la armonización de las dimensiones culturales, históricas, emocionales y sociales, utilizando la arquitectura para forjar comunidad, inspirar compasión y elevar el espíritu humano. En lugar de un estilo, ha desarrollado una estrategia que nunca se basa en un método recurrente, sino en evaluar las características y requisitos específicos de cada proyecto de forma diferente”, argumentó el jurado, integrado por el chileno Alejandro Aravena, la japonesa Kazuyo Sejima, la francesa Anne Lacaton y los estadounidenses Barry Bergdoll y Deborah Berke.
Liu Jiakun, nacido en la ciudad de Chengdu el 1 de enero de 1956, estudió en la Universidad de Chongqing, donde se graduó en 1982. Tras dedicarse varios años a la pintura y a la literatura, recién en 1993 retornó a su profesión y seis años más tarde fundó su estudio, Jiakun Architechts, con sede en su ciudad natal.
“Liu crea áreas públicas en ciudades pobladas donde el lujo del espacio es prácticamente inexistente, forjando una relación positiva entre la densidad y el espacio abierto. Al multiplicar tipologías en un mismo proyecto, innova el papel de los espacios cívicos para satisfacer la diversidad de requisitos de una sociedad diversa”, continúa el jurado del prestigioso galardón. Y como muestra cita a la West Village (2015), un proyecto de cinco plantas que abarca una manzana entera, contrastando visual y contextualmente con la matriz de edificios característicos de mediana y gran altura. Un perímetro abierto pero al mismo tiempo cerrado de senderos inclinados para ciclistas y peatones envuelve su vibrante ciudad de actividades culturales, deportivas, recreativas, laborales y comerciales, a la vez que permite al público contemplar los entornos naturales y edificados circundantes. El Departamento de Escultura del Instituto de Bellas Artes de Sichuan (Chongqing, 2004) presenta una solución alternativa para maximizar el espacio, con niveles superiores que sobresalen hacia afuera para ampliar la superficie de una planta estrecha.
“Las ciudades tienden a segregar funciones, pero Liu Jiakun adopta el enfoque opuesto y mantiene un delicado equilibrio para integrar todas las dimensiones de la vida urbana”, comenta Aravena, presidente del jurado y ganador del Pritzker 2016.
A lo largo de sus obras, Liu demuestra una reverencia por la cultura, la historia y la naturaleza, narrando el tiempo y reconfortando a los usuarios a través de interpretaciones modernas de la arquitectura clásica china. Los edificios emergen y se disuelven en su entorno, como en la renovación del distrito de cuevas de Tianbao, en la ciudad de Erlang (2021), enclavado en un exuberante paisaje de acantilados.
La trayectoria profesional de Liu incluye más de 30 proyectos, que abarcan desde instituciones académicas y culturales hasta espacios cívicos, edificios comerciales y planificación urbana en toda China.
La Asociación Art Déco Argentina conmemora el centenario de ese estilo en nuestro país, en la casa de quien es considerado el pionero y mayor exponente , el arquitecto Alejandro Virasoro.
En 1925 un grupo de artistas franceses organizó la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París, y se llamaron a sí mismos los modernos. Esta exposición es tomada como el inicio de este estilo aunque en realidad, el término Art Déco se acuñó en la retrospectiva titulada (Les Années 25), llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs en 1966.
Este estilo marcó un antes y un después en diseño y ornamentación, si bien fue casi puramente decorativo no dejó de ser sólido y con identidad propia. Resultó fiel a su época, giró en torno al progreso y a la maquinaria, así como el ordenamiento, la ciudad y lo urbano.
Durante un período prolongado de paz y bienestar, nuevos materiales y tecnologías irrumpen en la vida diaria de muchas personas. Es cuando los estilos academicistas van languideciendo y una nueva generación con muchos bríos, va haciendo su aparición con fuerza en diversas artes: literatura, pintura, escultura, arquitectura. El cine, “nuevo arte” recientemente nacido, se suma rápidamente.
Los nuevos artistas “de vanguardia” van a conformar distintas asociaciones, agrupaciones, sociedades que dan origen a las que van a dar en llamarse “vanguardias figurativas”. Entre ellas podemos mencionar al fauvismo, futurismo, expresionismo, dadaísmo, surrealismo. Algunos evolucionan más que otros y abarcan más artes o sirven de inspiración para estilos arquitectónicos que van a marcar un quiebre con lo anterior. La Unión Central des Arts Décoratifs hace un llamado a los arquitectos, diseñadores y artistas para que creen, generen, den forma a piezas y objetos diversos. Esto ocurría en 1912 pero la Exposición parisina ,demorada por la guerra, tuvo gran repercusión recién en el año 1925. Las ideas y propuestas que allí se presentaron alcanzaron una rápida expansión que trascendió los mares y llegó a lugares tan distantes como Estados Unidos, India, Nueva Zelanda, México, Brasil entre otros.
Resultó fiel a su época, comenzando a mostrar las ideas modernas de la Revolución industrial: gira en torno al progreso y la maquinaria. Se mostró con opulencia, se orientó hacia el futuro y celebró el progreso. Las figuras geométricas claramente delineadas y el uso de colores llamativos fueron características de este estilo. Todas las artes se amalgaman y unifican bajo este nuevo estilo: las gráficas, las decorativas, escultura, arquitectura, pintura, joyería, el cine. Ello hizo que influyera decididamente en la sociedad y cultura de su tiempo, lo que queda reflejado en el diseño industrial, la moda, la tipografía. Se lo ha llegado a nombrar como el estilo de la “edad de la máquina”.
Las líneas rectas, simétricas con impronta geométrica se destacan y lo alejan del organicismo que lo antecedió.
A nuestro país arriba en la década del 20 aproximadamente, en general traído por profesionales extranjeros de origen italiano, alemán y belga. La primer obra del estilo es la sala Sert del Palacio Errázuriz Alvear, hoy Museo Nacional de Arte Decorativo, quien realiza cuatro paneles al óleo para las habitaciones privadas de Mato Errázuriz, hijo de quienes eran los dueños de casa en ese momento, el matrimonio conformado por Matías Errázuriz y Josefina de Alvear.
En tanto, el arquitecto Alejandro Virasoro, considerado como el Padre del Art Déco argentino, va a diseñar y construir diversas obras de este estilo. Varias de ellas son hoy obras significativas de nuestro patrimonio tales como la Casa del Teatro y la sede del ex Banco Hogar Argentino (B. Mitre 575).
La presencia de motivos típicos de este estilo como los dibujos geométricos, zigzags y recuadros están presentes en estos diseños, en los que se destacan el refinamiento y cuidado puestos de manifiesto por el diseñador. Las construcciones abarcaron edificios de renta, oficinas, edificios industriales y también los cines y teatros, incluso, algunos de éstos construidos con anterioridad, fueron adaptados a este estilo debido a que los nuevos equipamientos tecnológicos resultaban compatibles con él.
En el interior del país también van sumándose profesionales que adoptan este estilo para sus diseños y, en no pocas ocasiones, se entremezclan o yuxtaponen con otros estilos o construcciones existentes. La obra monumental del arq. Salamone en la provincia de Buenos Aires posee características art decó.
Este movimiento impuso un importante nivel de innovación con calidad ya que se diseñaba todo y la incorporación de adelantos tecnológicos, nuevos servicios de transporte públicos, el afianzamiento del automóvil como medio de locomoción le dieron un toque sofisticado. Por ello, a nivel mundial se lo asoció con el “glamour” y con el jazz. Pero también llegó a las casas de la gente común. En los revoques símil piedra aparecieron dibujos de formas geométricas, flores estilizadas, frontis escalonados volviéndose un arte de características populares.
La casa familiar y estudio del arquitecto Virasoro en la calle Agüero 2038 es un ejemplo paradigmático de este estilo en el que se observan las principales características del mismo
En el corazón del vibrante Puerto Madero, un departamento redefine el concepto de lujo contemporáneo. Ubicado en el exclusivo complejo Oceana, fusiona con maestría el diseño de vanguardia y la calma en plena urbe. Los departamentos fueron diseñados y decorados por Silvia Loitegui y sus hijas Sylvie y Milagros Loitegui.
Living: Estética y diseño en armonía
La coherencia estilística define este espacio donde arquitectura y arte dialogan en una constante. Una paleta neutra, con linos blancos envolviendo cortinas y sillones, se complementa con la textura natural de las alfombras de Rugit, tanto lisas como rayadas. El mobiliario a medida, con mesas bajas en laca blanca y madera clara, acentúa la serenidad del ambiente, enriquecido por las obras de Jacinta Grondona y la selección curada de la galería de María Casado.
Comedor, un refugio de paz
Un comedor que invita a la calma. Mesa redonda de pergamino, sillas de esterilla y banquetas de gamuza lavable. La iluminación escultural, modelo Mega Proloneo de Artemide. Ventanas vestidas con lino blanco y screens semi transparentes. El toque artístico lo aporta la tinta china de Sylvie Loitegui.
Cocina con carácter y estilo
La cocina de concepto abierto se presenta como un punto de encuentro moderno y sofisticado. Su completo equipamiento se complementa con una colección de banquetas altas, que aportan personalidad al espacio. Esta combinación no solo optimiza el área, sino que también fomenta la interacción y la convivencia, convirtiéndose en un lugar ideal para recibir y compartir.
Dormitorio: Refugio de serenidad
El estilo del dormitorio es atemporal, con toques de alegría y color, para disfrutar de la calma y el confort. Con una paleta de colores suaves y neutros, invita a la relajación y al descanso profundo. Las camas tapizadas aportan una textura mullida y una sensación acogedora. Las delicadas luminarias (Agüero) juegan un papel crucial en la atmósfera del espacio para ofrecer una luz cálida y envolvente. El lujo lo aporta la ropa de cama hecha a medida por Angelina Linen, con tejidos de la más alta calidad, y los muebles a medida.
Los barrales de las cortinas de lino grueso son de Bazar Textil.
La reconocida escultora argentina Lucy Mattos rememora sus inicios en el arte y la génesis de su propio museo en San Isidro, un espacio abierto al arte, la reflexión y el encuentro humano.
Modelar figuras con la arcilla roja de su provincia, Misiones, fue el primer acercamiento que Lucy Mattos tuvo con el arte, durante su primera infancia. A sus 7 años, su familia se mudó a Buenos Aires, y a los 12 años, pidió a sus padres que la enviaran a un taller de dibujo y pintura. “Hasta que más tarde descubrí la escultura, que me encantó, y así finalmente llegué a la Escuela Nacional Prilidiano Pueyrredón, donde estaban los mejores maestros argentinos” recuerda la escultora argentina, de amplia trayectoria y reconocimiento internacional.
Hoy, sus obras van desde la escultura monumental hasta la joyería artística -creados con diversos materiales, que incluyen metales, maderas, piedras y hasta poliéster- y no solo se exhiben alrededor del mundo en museos y colecciones privadas, sino también en su propio museo, fundado en el 2012 y ubicado en San Isidro. Aquí, Lucy exhibe su arte de forma permanente, además de organizar exposiciones temporales con artistas invitados, tareas de difusión, docencia e integración del público.
–¿En qué se inspiraba para crear sus obras?
–El proceso creativo nació del placer que yo sentía cuando de niña modelaba simplemente como un juego. Ese sentimiento me llevó a crear figuras modeladas, dibujadas, grabadas y pintadas. El motivo de inspiración siempre fue un sentimiento profundo, visceral, fui experimentando la vida y las necesidades de las mujeres ¡soy la mayor de cuatro hermanas!
–¿Cuál es el mensaje que quiso dar a través de sus obras? ¿Considera que sigue vigente?
–El objetivo es comunicar, compartir con el espectador el sentimiento que me conduce al hecho creativo. Comienza donde está el amor, el desamor, la pasión, la educación, la incertidumbre de la realidad social, la incógnita, la esencia del ser humano y la Naturaleza. Me siento muy feliz cuando alguna de las obras capta ese mensaje especial y logra conmover a quien la observa. Ese mensaje, si se siente, siempre estará vigente, porque todos los temas que me inspiran son vivencias profundas de los seres humanos. Y, particularmente, de las necesidades de las mujeres.
–¿En qué momento de su carrera decidió crear su propio museo y por qué?
–Hubo un momento en que mi taller ya no fue suficiente para mí, sentía la necesidad de exponer mi obra y, sobre todo, la necesidad de compartirla. Hoy el museo tiene mi forma de ser: es abierto a todos los sexos, edades, religiones e ideales de cada visitante. Es un lugar para el placer, la reflexión, la comprensión, el respeto por los propios sentimientos y muchas veces, la aceptación de uno mismo cuando la persona se ve reflejada en alguna obra, una sensación que se vive con mucha alegría.
–¿De qué forma cree que su propia experiencia artística influye en la dirección del museo?
–La diferencia podría estar en que al ser artista comprendo lo que significa el trabajo de otros artistas y lo que significa para ellos. Y también puedo contemplar la mirada del espectador. La gestión va mucho más allá de lo estrictamente empresarial. El museo es un lugar para compartir todas las expresiones del arte en un marco multicultural.
–¿Cómo ve la escena artística nacional? ¿Qué oportunidades y desafíos percibe en este momento para el arte argentino, a nivel mundial?
–Actualmente la escena artística en Argentina es tan amplia, tan experimental, expresiva y multidisciplinar que es un verdadero orgullo ser parte. El arte argentino es muy valorado en el exterior, una reconocida fuente creativa. En nuestro país, tanto en buenas o malas épocas económicas, los artistas siempre trabajan y crean obras valiosas, a veces con muy pocos materiales. Lo hacemos a pesar de que las políticas de ayuda a los artistas no nos favorecen, algo que sí ocurre en otros países. Creo que, en este momento, el desafío más grande es seguir creando obras diferentes a lo que la tecnología no puede transmitir todavía. Aquello que es inherente al ser humano.
–¿Qué estrategias implementa el museo para mantenerse relevante con las nuevas generaciones?
–Trato de que las personas que lo visiten se sientan partícipes de las obras, que puedan preguntar y expresarse, conocer las técnicas, los materiales y la intención con la que se han realizado. Es cierto que el uso de las nuevas tecnologías y celulares hace más difícil que los jóvenes se acerquen a un museo porque tienen fácilmente distracción continua, pero una vez que se conectan con el espacio y con las obras, pueden sentir placer, reflexionar con gusto y tranquilidad lejos de las tensiones y el estrés de los ambientes y mensajes disparados con velocidad.
–Si pudiera dar un consejo a los jóvenes artistas argentinos, ¿cuál sería el más importante?
–Nunca me gustó dar consejos, sin embargo, les diría que una vez que tengan el “objetivo claro”, el “qué” y “cómo” quieren conseguirlo, no aflojen, no se rindan con comparaciones, sigan el camino del trabajo con la seguridad de que conseguirán su objetivo. Llegarán adonde se propongan sin distraerse con algún obstáculo en el camino, disfrutando y amando lo que expresan. Les diría, además, que hagan un uso inteligente y responsable de la inteligencia artificial. No hay duda de que la IA los ayudará a estudiar, investigar, trabajar y muchas cosas más, pero no podrá darles una demostración humana de afecto, de sentimientos como el amor, la pasión, el calor humano. Esta capacidad de dar y recibir amor, así como de confrontar, aceptar y/o rechazar es una cualidad humana.
El aclamado pianista argentino explorará las conexiones musicales entre la música clásica y el pop, en un concierto único a beneficio de la Fundación Nordelta.
El próximo concierto del virtuoso pianista Horacio Lavandera promete ser una experiencia sonora inolvidable, trascendiendo épocas y géneros. En un evento especial a beneficio de la Fundación Nordelta, Lavandera presentará un repertorio audaz y fascinante bajo el título “Sonidos de lo eterno”, que unirá las genialidades de Ludwig van Beethoven, Gustav Mahler, The Beatles y Gustavo Cerati.
La velada musical comenzará con un viaje a la Inglaterra del siglo XVIII y XIX a través de la mirada de Beethoven. El público podrá disfrutar de las ingeniosas Variaciones sobre “God Save the King” y Variaciones sobre “Rule Britannia”, obras que testimonian el profundo respeto del compositor alemán por la tradición musical británica y su habilidad para transformar melodías populares en piezas de concierto sofisticadas. Esta primera parte culminará con la monumental obra 33 Variaciones Diabelli, Op. 120, considerada por el musicólogo Sir Donald Tovey como “el más grandioso conjunto de variaciones jamás escrito”. Esta pieza maestra, llena de contrastes y virtuosismo, incluye desde pasajes humorísticos hasta profundos adagios y complejas fugas, ofreciendo un panorama completo de la historia de la música en sus últimas variaciones.
La segunda parte del concierto ofrecerá una inmersión en el universo emocional de Gustav Mahler a través de grabaciones originales en rollo de pianola del propio compositor. Se escucharán versiones únicas de canciones y fragmentos sinfónicos emblemáticos, incluyendo el conmovedor “Adagietto” de la Quinta Sinfonía, inmortalizado en el cine. Esta sección se conectará de manera sorprendente con interpretaciones originales de Horacio Lavandera de canciones icónicas de The Beatles como “Imagine”, “Yesterday” y “Eleanor Rigby”, revelando las líneas melódicas y la profundidad armónica que trascienden el género pop.
El broche de oro de la noche estará a cargo de una selección de versiones originales de Gustavo Cerati, uno de los artistas más influyentes del rock argentino. La sensibilidad y el talento de Lavandera se pondrán al servicio de la obra de Cerati, explorando nuevas dimensiones sonoras y rindiendo homenaje a su legado musical.
Este concierto único no solo ofrecerá un recorrido musical fascinante a través de diferentes estilos y épocas, sino que también contribuirá a la importante labor de la Fundación Nordelta. Una oportunidad imperdible para disfrutar del talento excepcional de Horacio Lavandera y apoyar una noble causa.
Más información:
Horacio Lavandera – Concierto de Piano:
Sonidos de lo Eterno. Sábado 28 de Junio – 19 h.
Colegio Northlands. Nordelta (Av. De Los Colegios 680, Rincón de Milberg, Tigre).
