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Elegancia en clave eléctrica

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Elegancia en clave eléctrica

Con una autonomía de hasta 750 kilómetros, el DS N°8 hace su entrada en la escena mundial como el nuevo modelo estrella de la marca de alta gama francesa. Es completamente eléctrico e incluye conectividad impulsada por IA. Saldrá a la venta en Europa a mediados de 2025.

DS Automobiles, la marca premium del Grupo Stellantis, acaba de presentar el N°8, que hará su irrupción en el mercado europeo a mediados del año próximo. Será el nuevo modelo insignia de DS, marca creada en 2014 como parte del grupo PSA, que en 2021 se fusionó con Fiat Chrysler para crear Stellantis, uno de los mayores fabricantes de autos del mundo.

El nuevo modelo se destaca por su calidad superlativa, su gran autonomía y su confort absoluto, que lo convierten en el auto eléctrico más sereno de su categoría. Con un diseño carismático, refinado y elegante, lleno de detalles distinguidos y personalizados, el DS N°8 redefine el concepto de SUV Coupé. Con un impulsor cien por ciento eléctrico, ofrece una autonomía combinada de 750 kilómetros (ciclo WLTP) y más de 500 en ruta, un valor excepcional dentro de su segmento, alcanzado gracias a un destacado coeficiente aerodinámico de 0,24. Su potencia llega hasta 350 CV e incluye opciones de tracción simple e integral.

El interior del DS N°8 eleva los estándares de confort y refleja un nuevo arte de viajar al estilo francés. Su avanzada conectividad, impulsada por inteligencia artificial, transforma la experiencia a bordo en algo fluido e inmersivo. El tablero y el puesto de mando son decorativos y técnicos al mismo tiempo, integrando el sistema de sonido, las salidas de aire y las firmas luminosas. La pureza de su diseño incluye un alto nivel de artesanía (High Craft) y tecnología avanzada (High-Tech), con las más elegantes combinaciones en el uso de materiales. Los asientos son envolventes y tienen una forma estilizada que integra directamente los reposacabezas. Utilizan espuma de alta densidad y refuerzos laterales ajustables para maximizar el confort. Los asientos delanteros cuentan con masajeador, ventilación y calefacción; en la parte trasera, en tanto, los pasajeros disfrutan de asientos espaciosos con amplio espacio para las rodillas, respaldos reclinables, calefacción y ventilación.

La consola central flotante del DS N°8 ofrece una experiencia de interacción intuitiva con mandos de diseño inspirado en joyería. Incluye espacios de almacenamiento con detalles en Alcantara® y elementos iluminados que recuerdan una galaxia. Con 16 pulgadas y personalización, la pantalla integrada en el tablero permite acceso rápido a las funciones del sistema DS Iris System 2.0, un dispositivo multimedia de última generación que se controla mediante reconocimiento de voz o la pantalla táctil que incluye cuatro tomas USB-C, conectividad Bluetooth, Apple CarPlay y Android Wireless, además de dar acceso a múltiples servicios on line. Respecto del sistema de sonido, la colaboración con la marca Focal ofrece una experiencia inmersiva de alta fidelidad, gracias a 14 altavoces y un amplificador de 690 W.

En materia de seguridad, vale mencionar el sistema DS Pixelvision (que integra tecnologías de vanguardia como faros adaptativos, luces largas orientables, iluminación de curvas, luces largas no deslumbrantes) y el DS Drive Assist 2.0, que es un paso más hacia la conducción semiautónoma gracias a funciones como el ACC Predictivo, la Asistencia de Cambio de Carril Activa, la Alerta de Precaución al Conductor, la Asistencia al Aparcamiento y Visión 360, la Alerta de Tráfico Cruzado Trasero y la Prevención del Pedal Equivocado.

Pórticos de lujo renuevan la bahía de Nordelta

Revista Nordelta
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Pórticos de lujo renuevan la bahía de Nordelta

Los nuevos pórticos de Bahía Grande brindan un acceso elegante y seguro a los muelles, fruto de la colaboración entre amarristas y un equipo de profesionales. Diseño, calidad y seguridad se fusionan en esta obra que transforma el paisaje náutico de Nordelta.

La icónica Bahía Grande de Nordelta se renovó por completo gracias a los nuevos pórticos de acceso a los peines de amarre. Diseñados para sumar originalidad, mayor comodidad y seguridad a los propietarios de las embarcaciones, estas modernas estructuras fueron creadas por el reconocido diseñador industrial Juan Doberti, con el objetivo de reemplazar a los antiguos portones de rejas, pero además resaltan la belleza de la bahía nordelteña. En una charla con Revista Nordelta, el director de amarras, Alfredo Morcillo Rosso, cuenta los detalles de cómo se llevó a cabo el proyecto.

–¿Cómo surgió la idea de renovar el ingreso a la bahía con estos pórticos?

–Originalmente, el objetivo era embellecer la bahía, dándole una impronta diferente a los ingresos y que la puerta de acceso fuera acorde a la calidad de los barcos, como un detalle artístico de calidad. Si bien fui el primero en impulsar la idea, el proyecto se concretó gracias a la colaboración de un gran equipo de profesionales, conformado por Manuel Kosoy, presidente de AVN, el arquitecto Cristián Ramallo, y el reconocido diseñador industrial Juan Doberti. Sin embargo, los amarristas, propietarios de Bahía Grande, fueron los principales inversores, sin su aporte nada hubiera sido posible. Así que el trabajo fue en conjunto.

La renovación no fue fácil, ya que demandó casi cuatro años de trabajo, y pasó por muchas contingencias, hasta su apertura, el 7 de agosto de 2024. “Fue una inauguración muy linda y la gente estaba muy contenta. Originalmente el proyecto estaba planeado para que se terminase en un año y medio… pero tardó más de tres, y las eventualidades que surgieron nunca fueron favorables, ni tampoco los adicionales económicos que se fueron sumando, debido a la situación del país. Recién hoy, la gente se da cuenta de lo que tiene y del nivel que representan nuestros pórticos”, comenta Alfredo.

–¿Existen pórticos como los de Bahía en otras partes del mundo? ¿Se inspiraron en otro lugar?

No, o por lo menos yo nunca los vi. Te puedo hablar de los pórticos de Porto Cervo, Portofino, Porto Banús, Oakland o Barcelona, pero no son iguales a los nuestros. El diseño es muy innovador, y sobre todo teniendo en cuenta las condiciones de seguridad, ya que tuvimos que contemplar todo. Así que no me inspiré en un lugar en particular. Al contrario, mi inspiración estuvo en el hecho de que, en general, en los diferentes lugares que visité en el mundo, siempre vi accesos muy básicos a las marinas.

Realizados en metal y madera, con puertas de vidrio de apertura automática, control electrónico de seguridad e iluminación e internet, estos nuevos pórticos ofrecen mejores prestaciones para los amarristas de Bahía Grande, a lo largo de sus cuatro accesos: el Peine Central, la Capitanía, Miradores y Peine Sur. El diseño estuvo a cargo del estudio del reconocido diseñador industrial Juan Doberti, quien sugirió diferentes opciones de pórticos y los amarristas eligieron el modelo actual, luego de una votación.

La creatividad de Juan Doberti se desbordó en cada detalle de este proyecto. La elección de los materiales no solo garantiza la durabilidad y la seguridad, sino que también confieren a los pórticos una elegancia atemporal. Sobre su diseño, Doberti afirma que el pedido para realizar el trabajo tuvo tres ejes centrales: el agregado de valor a la Bahía Grande, que los pórticos posean valor identitario para las marinas, y que la puerta de acceso sea tecnológica. “La creatividad es mi trabajo habitual, donde integro los campos del producto industrial, el espacio, y la comunicación. En este caso me inspiré en las características de los muelles del delta (con sus tramas de tablas), como también en las formas de las embarcaciones (con sus líneas anguladas). Por otro lado, me pareció importante introducir valores del diseño contemporáneo en ese gran espacio escénico que es la Bahía Grande”, cuenta el diseñador.

–Con respecto a la seguridad, ¿qué tuvieron en cuenta?

–Tiene un sistema de backup con una batería que dura seis horas y, en caso de que se agote, las puertas se pueden abrir con llaves especiales y, a partir de ahí, se envía un personal de seguridad para que revise el lugar. Si bien el acceso a las 111 amarras de Bahía Grande sólo está permitido para los amarristas, los pórticos están ubicados en una zona donde convive lo público y lo privado. El objetivo es que también te inviten a estar y disfrutar del paisaje de la Bahía, y no que sean una obra que te expulse del lugar, porque a simple vista parecen una obra de arte.

Una argentina al frente de la Bienal de Chicago

Revista Nordelta
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Una argentina al frente de la Bienal de Chicago

La porteña Florencia Rodríguez acaba de ser designada directora de la 6ª edición de la Chicago Architecture Biennial, que se inaugurará a fin de 2025. La distinción reconoce la carrera de esta joven profesional, dedicada a la docencia y a la crítica especializada.

Florencia Rodríguez se recibió de arquitecta en la Universidad de Belgrano en el año 2000 y comenzó un camino de cruce con otras disciplinas del arte y el pensamiento, hasta convertirse en crítica, editora y docente. Luego de fundar una revista especializada en Buenos Aires y obtener una beca en Harvard, se instaló con su familia en Estados Unidos y en 2022 fue nombrada directora de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Illinois, Chicago. Este camino acaba de recalar en otro hito, ya que la Bienal de Arquitectura de Chicago la puso a cargo de su nueva edición, que se desarrollará entre septiembre de 2025 y febrero de 2026, confirmándose como la primera directora latinoamericana.

Una trayectoria notable

Florencia no se dedicó a proyectar y a dirigir obras, sino que eligió otra senda. Poco después de recibirse comenzó a escribir para la revista de arquitectura Summa+, paralelamente armó una muestra de obras de estudios jóvenes en el Centro Cultural de España en Buenos Aires y un par de años más tarde empezó a dar clases en diferentes universidades públicas y privadas. Fueron los primeros pasos de una gran carrera como crítica, curadora y docente, que pronto trascendió las fronteras del país.

En 2010 fundó junto a otros socios la revista Plot, “una plataforma para la difusión de las prácticas y pensamientos que hacen al campo cultural de la arquitectura contemporánea”. Tres años después obtuvo la beca Loeb Fellow Graduate School of Design, de la Universidad de Harvard, donde más tarde fue profesora, curadora y coordinadora de un simposio internacional sobre crítica contemporánea de arquitectura. En agosto de 2022 asumió la dirección de la Escuela de Arquitectura, dentro de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Artes de la UIC, cuya decana, Rebecca Rugg, ha dicho sobre Rodríguez: “Como arquitecta y educadora cuyo trabajo abarca dos continentes, Florencia es representativa de las diversas perspectivas y culturas que dan forma al increíble cuerpo estudiantil y que inspiran e informan la perspectiva progresista de la UIC”.

A través de su trabajo, enfocado en la difusión de nuevas narrativas y la exploración de formas alternativas de crítica del diseño, fomentó y fortaleció el discurso arquitectónico entre las Américas. Tras asumir la dirección de la CAB, la arquitecta argentina afirmó: “Durante mucho tiempo he admirado el compromiso de la Escuela de Arquitectura con un plan de estudios que fusiona la teoría, la tecnología y la investigación rigurosa de una manera que alienta a los estudiantes a abordar las ideas arquitectónicas con ojos frescos y un profundo sentido de propósito. Espero avanzar en esta visión y adaptarla para que refleje las realidades culturales, políticas y económicas en constante cambio de la sociedad contemporánea”.

“Mis obras son una práctica de poesía muda”

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“Mis obras son una práctica de poesía muda”

Eugenio Cuttica vive, siente y produce arte de una manera creativa, consciente y metafísica. Hoy está trabajando en una serie de instalaciones que tienen detrás una profunda construcción intelectual.

Texto: Juan Martín Roldán.

Con su tupida barba blanca, su altura importante, su corpulento porte y su mirada penetrante, Eugenio Cuttica es un hombre que no pasa desapercibido nunca. Es una de esas personas que llaman la atención aunque esté en medio de una multitud. Y todo eso se refuerza y confirma al minuto de establecer una comunicación con él. Charlar con Cuttica enriquece, lleva a pensar, en cada una de sus respuestas deja conceptos que invitan a reflexionar e indagar un poco más. Porque este hombre que hoy anda por los 67 años de edad y ha acumulado un notable prestigio internacional, es un artista con una profunda vida interior, que plasma en cada una de sus obras, tanto pinturas como esculturas e instalaciones. Este cronista de Revista Nordelta lo entrevistó nueve años atrás y acaba de renovar ese goce artístico e intelectual.

–¿Cómo va la vida Eugenio?

–Bien. Tengo la fortuna de vivir rodeado de bendiciones, algo que me dieron el pensamiento creativo y la filosofía que viene asociada a la actividad artística cuando una la lleva adelante en forma consciente, en estado de alerta.

–¿Continuaste con ese camino de profundización de todo lo que hay detrás de tu obra?

–Sí, absolutamente. Ese es el propósito de mi breve paso, trato de dejar una huella que sirva para abrir conciencias, a través de la belleza, la verdad, la libertad y el amor. 

–¿En qué momento te das cuenta de que lograste ese objetivo de despertar conciencias?

Me voy dando cuenta con la reacción de la gente frente a mis obras o frente a mi presencia. Es como que en otra vida he sido una especie de sacerdote, tengo una inclinación muy fuerte hacia la metafísica y hacia la espiritualidad a través del arte. Entonces eso se va dando por sí sólo, yo no hago un esfuerzo para eso. Soy así desde los siete años, cuando tuve una especie de epifanía, aunque en ese entonces no tenía las herramientas ni el lenguaje para explicar lo que me pasaba. Creo que ahí alcancé por primera vez un estado mental de cierto trance, que era como un secreto mío que pude conservar hasta hoy. Toda mi vida transcurrió en una dimensión ligada a lo sublime.

–Eso se traslada a muchas de tus obras, hay algo etéreo… Y es complicado transmitir lo invisible en una obra de arte visual, suena como un contrasentido, pero ahí está.

–Sí, en cierta forma es como un oxímoron, pero es posible, porque eso sucede cuando los artistas practican una poesía muda a través de las imágenes, sobre todo cuando aplican una serie de símbolos que hacen que el mensaje sea más poderoso que la imagen que se ve. Yo trato de poner mi obra en ese punto. El lenguaje visual es súper potente.

–¿En qué estás trabajando ahora?

–Estoy haciendo instalaciones, utilizando impresoras 3D. En una de ellas, que tengo en plena obra, hay personas comunes, en tamaño natural, situadas sobre un círculo en el que va a haber unos tres centímetros de agua, para formar un espejo negro. Sobre sus cabezas, estas personas van a tener un bebé recién nacido hecho con filamentos transparentes y luz adentro. Son personas comunes que se miran a sí mismos entre ellos, se reflejan en el espejo y llevan en sus cabezas a su niño interior. La metáfora es que todos hemos sido bebés y conservamos eso en algún lado.

–¿Esto lo estás haciendo para alguna muestra en particular?

–Tengo invitaciones de museos de Italia, de España… y trato de hacer una obra de calidad internacional. Porque hay muchos museos, hay mucho dinero en el mundo, pero hay pocas ideas. Entonces si uno presenta una idea buena, enseguida te dan espacio para una muestra. Además, yo creo que las instalaciones hacen su propio camino y encuentran su lugar. O sea, no me preocupa hoy dónde van a exponerse.

–¿Y la pintura cómo va, la tenés más relegada?

–No, siempre pinto también. Mi nombre está muy demandado. Pero no quiero ser pintor de un solo cuadro hecho mil veces, que existen esos casos en el mundo del arte argentino. A veces me piden que haga algo como lo que ya hice, y yo respondo que no, que eso ya pasó. Pero la pintura siempre está.

–De joven trabajaste nada menos que con Antonio Berni, ¿qué te dejó esa experiencia?

–Sí, eso fue entre mis 20 y mis 22 años, y ya creía que la maestría es contagiosa por aproximación. De esos años con Berni me quedó el poder separar el mito del ser humano. Yo era su asistente y para mí él era Antonio, cuando estaba con él yo me olvidaba del mito. Después si uno se dedica durante décadas a esto se va transformando uno mismo en un mito, y lo importante es separar las cosas, porque creerse lo del mito es la forma más rápida de volverse loco, de alejarse de la realidad. Todos los niños nacen artistas, hasta que dejan de serlo por fuerza de las obligaciones personales y le soltamos la mano a nuestro niño interior, que es lo más valioso que tenemos, nuestro pensamiento creativo. 

–Lo femenino también está muy presente en tu obra, ¿cómo ves a la mujer hoy en el mundo?

–Me parece que el espíritu de la mujer se está perdiendo. En sus ansias de lograr independencia y de todo lo que viene aparejado con ella, que está muy bien, la mujer ha perdido algo, que no sabe bien qué es. Se siente sola, está triste, y creo que eso lleva a una pérdida de la mirada tierna propia de la mujer. En la ciudad se vive un clima de guerra que es muy masculino, y eso lo llevan adelante tanto hombres como mujeres. Yo por suerte encuentro mi refugio en el arte.

Un encuentro con el diseño, el arte y la arquitectura

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Un encuentro con el diseño, el arte y la arquitectura

Bajo el concepto “Inside the box”, la 40° edición de Casa FOA es una invitación no solo para descubrir las nuevas tendencias en diseño, paisajismo y decoración, sino también  para recorrer un ícono, como lo es el Edificio del Plata, espacio donde este año se realiza la exposición. 

Estudio PQR arquitectura: Coworking

Un espacio de trabajo dinámico, donde la naturaleza es el eje, y en donde cada usuario puede encontrar el mejor lugar para proyectar y desarrollarse. Incluye sala de reuniones, mesas individuales, colectivas, bancos, sillones, cabinas de zoom, espacios de capacitación y oficinas privadas. 

Estudio Fontenla: Estar con escritorio y dormitorio

Amplio y elegante, este espacio integra una sala de estar, un dormitorio principal y un escritorio. El sofá esquinero modulable, tapizado con texturas refinadas y materiales nobles como la madera y el cuero, lidera el espacio. Los revestimientos en porcelanato color visón aportan calidez, mientras los tonos tierra logran un equilibran la modernidad y el confort. 

Palo ARQ + Uman Arquitectura: Oficinas comerciales IRSA

Aquí se respetaron los materiales preexistentes, preservando y restaurando el solado travertino y oro. Los textiles claros y livianos contrastan de manera contundente con los cortinados oscuros y pesados, junto con la naturaleza, que contrasta, y equilibra visualmente.

Decaro, De Souza + Romano y Cal: Estar de encuentro

Lo urbano se entrelaza con lo verde, creando un espacio donde la naturaleza recupera su lugar. La calidez de las maderas se fusiona con la solidez de la piedra en los muros. Los sofás modulares de formas orgánicas, con tonos tierra y blancos, aportan calidez y naturalidad.

Arq. Ana María Luján Rodríguez: Espacio biofílico

Un living revestido en madera natural, fibras naturales y el aporte de plantas para buscar conexiones con la naturaleza. La iluminación natural juega con llenos y vacíos, e invita a la relajación y el descanso, reforzado con textiles confortables provocando bienestar. 

Estudio Moraschi: Cocina de encuentro

Inspirada en la tradición culinaria y la arquitectura de la región de La Puglia, Italia, con espacios acogedores, arcadas, materiales nobles y una atmósfera que invita a la conexión y el disfrute. Los colores son claros y cálidos, con maderas veladas y piedra París.

La huerta en casa: ¿qué sembrar en primavera y verano?

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La huerta en casa: ¿qué sembrar en primavera y verano?

Una guía práctica, con los cuidados básicos de los cultivos para esta estación. Consejos para lograr una buena cosecha y lograr un jardín lleno de vida y color.

La huerta transita su época más linda, sin embargo también es la que más cuidados requiere. Las plantas crecen, florecen y el riego diario es fundamental pero, si nos descuidamos, las plagas y enfermedades pueden proliferar fácilmente.

Los principales cultivos para esta estación es el tomate, berenjena, zapallo, pepino, melón y morrón. Lo ideal es comenzar a sembrar a fines de agosto o septiembre, pero todavía estamos a tiempo si queremos disfrutar de estas especies en casa, especialmente si conseguimos plantines en los viveros.

Para empezar, es importante preparar bien la tierra, desmalezar el terreno y agregar materia orgánica (compost).

Mantenimiento orgánico

Para lograr un buen desarrollo de la huerta, evitando la presencia de plagas y enfermedades, es necesario trabajar preventivamente. Algunas recomendaciones: 

• Colocar plantas de estación y asegurarnos de poder cumplir con todos sus requerimientos básicos (riego, espacio y nutrientes).

• Promover la biodiversidad de la huerta, colocando distintas hortalizas y aromáticas.

• Se pueden colocar flores como caléndulas (Calendula officinalis) y copetes (Tagetes erecta) y plantas aromáticas como lavanda, albahaca, romero, salvia, ruda y orégano. 

• Es importante utilizar buenas asociaciones dentro de la huerta, colocando juntas a plantas que se benefician entre sí, o distanciando aquellas que pueden competir.

Cultivos de primavera verano:

• Morrón: Requiere un lugar soleado y riego abundante, y no soporta el frío. La planta deberá contar con un espacio mínimo de 40 cm. de profundidad y se recomienda dejar un espacio similar entre planta y planta.

• Pepino: Necesita abundante sol y temperaturas elevadas. Se debe tutorar para favorecer su crecimiento vertical, o colocar cerca de alguna estructura de sostén, como un cerco. Dejar un espacio mínimo de 40 cm entre planta y planta.

• Tomate: Existen numerosas variedades, entre ellas el redondo, perita y cherry. Necesita pleno sol y riego abundante. La tierra debe ser de muy buena calidad para que la planta entregue buenos frutos. Se recomienda tutorarla para evitar que el peso de los frutos quiebre las ramas. La planta deberá contar con un espacio mínimo de 40 cm de profundidad y se recomienda dejar un espacio similar entre planta y planta.

Valeria Churba

Agricultura Urbana

El Rey de la alta costura

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El Rey de la alta costura

“Expresionarte”, el nuevo evento del diseñador de alta costura, Jorge Rey, trascendió la pasarela para convertirse en una auténtica obra de arte en movimiento.

Más de 800 invitados, en el Hipódromo de Palermo, fueron testigos de una fusión única entre alta costura, teatro, música en vivo y artes visuales, durante la presentación de la nueva colección del diseñador argentino, Jorge Rey. 

La velada fue una experiencia multisensorial que incluyó la presentación de más de 50 piezas exclusivas de alta costura, cada una de ellas una obra de arte en sí misma. Inspiradas en “El Jardín de las Delicias” de El Bosco, las creaciones de Rey exploraron el caos y la belleza que coexisten en el arte, fusionando lo onírico con lo terrenal.

La colección también refleja un juego con los volúmenes, siempre presentes en el trabajo de Rey. Estas siluetas esculturales crean una sensación de teatralidad y dramatismo, como si las prendas en sí mismas contaran una historia. Aquí, los materiales reutilizados se convierten en símbolos de transformación, un concepto central en la obra de El Bosco: la evolución del ser, la lucha entre lo espiritual y lo terrenal.

Además, las texturas tejidas a mano evocan el trabajo artesanal del pasado, pero con el distintivo “toque Rey”, sofisticando lo rudimentario para elevarlo a la alta costura. Estas piezas, aunque cuidadosamente elaboradas, llevan consigo una carga de imperfección y crudeza, tal como lo hace la obra de El Bosco al retratar el desorden y la complejidad de la condición humana.

Sin embargo, “Expresionarte” fue mucho más que un desfile de moda. Fue una performance en la que el propio Rey se convirtió en protagonista, junto a bailarines, actores y músicos. A través de la música, el baile y las piezas audiovisuales, el diseñador transmitió un mensaje poderoso sobre la importancia de la expresión artística y la libertad creativa.

“Con Expresionarte quiero transformar el concepto de la impresión que causamos en el otro. La idea de tener que impresionarte. Pretendo fomentar que todos nos enfoquemos en ser uno mismo, un ser de arte único e irrepetible”, afirmó Rey.

Así, Jorge Rey demostró una vez más por qué es uno de los diseñadores más innovadores y vanguardistas de Argentina. Al fusionar la alta costura con un mensaje de expresión artística y de libertad creativa, Rey logró trascender las barreras convencionales de la moda y posicionarse como un referente en el mundo del arte contemporáneo.

Más allá de la moda, en un mundo cada vez más homogéneo, el diseñador nos invita a reflexionar sobre nuestra propia identidad, con un mensaje de expresión artística y de libertad creativa.

El arte de la coctelería en tus eventos

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El arte de la coctelería en tus eventos

Llegó la época en que las reuniones se multiplican. Joaquín Montes de Oca, bartender de Barrabás Eventos, nos trae tres recetas originales para sorprender a tus invitados.

El calor de la temporada invita a compartir momentos agradables con amigos y familia. ¿Qué mejor manera de recibirlos que con un cóctel refrescante y delicioso? De la mano de Joaquín Montes de Oca, bartender de Barrabás Eventos, las barras móviles que brindan todo lo necesario para que tus reuniones y fiestas cuenten con un alto nivel de coctelería (www.barrabaseventos.com), te presentamos tres opciones de tragos de autor, que seguro serán un éxito en tu próxima reunión. ¡Salud!

BEATLE

Ingredientes: 

•Menta: 3 ramitas.

•Vodka de frutos rojos: 

2 medidas.

•Jugo de limón: 1 oz.

•Azúcar: 2 cucharadas.

•Soda para completar.

Preparación:

En un vaso de trago largo, servimos el jugo de limón y el azúcar, integrando los dos ingredientes con una cuchara.

Agregamos la menta, que se puede palmear previamente para despertar sus aromas, y unimos los ingredientes con la ayuda de una cuchara.

Servir el vodka y el hielo roto hasta el tope del vaso. En caso de no contar con vodka de frutos rojos, se pueden pisar frutillas o arándanos en el mismo vaso, antes de agregar la menta, e integrar bien con una cuchara. 

El secreto es hacerlo hasta que queden dos dedos de espacio, que llenaremos con soda, para agregarle un poco de gas. Decorar con un sorbete, menta y una rodaja de limón. Los frutos rojos también le sumarán color. 

ROLLING

Ingredientes: 

• Gin: 1 medida y media.

• Pepino: 2 rebanadas. 

• Azúcar: 1 cuchara sopera.

• Jugo de limón: 1 medida.

Preparación:

En un vaso de coctelera vamos a colocar dos rebanadas de pepino y pisarlas con un mortero (o lo que tengamos en casa). Agregar el resto de los ingredientes y batir bien fuerte, con mucho hielo.

Hacer un doble colado: colamos el hielo, y con un colador de malla separamos los restos de pepino y de hielo del trago, en un vaso de whisky con mucho hielo.

Decorar con una lámina de pepino y servir.

LEY DE ASUNCIÓN

Vermouth Bianco: 2 medidas.

• Jengibre: 2 rebanadas.

• Jugo de limón: media medida.

• Azúcar: Una cuchara sopera.

• Té especiado: 2 medidas.

• Soda para completar.

Preparación:

En un vaso de coctelera, pisar las dos rebanadas de jengibre y agregar el resto de los ingredientes, menos la soda. Batir bien fuerte con abundante hielo. Colar los restos de jengibre y del hielo con un colador de malla, en un vaso de trago largo lleno de hielo. Completar el vaso con soda e integrar ligeramente el trago con una cuchara. Decorar con una hoja de romero y servir.

IG https://www.instagram.com/barrabas.eventos/

El Paraíso de La Divina Comedia 

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El Paraíso de La Divina Comedia 

*Texto Patricio Di Nucci

Dante hace una modificación de la estructura narrativa al llegar al Paraíso. Si el Infierno y el Purgatorio se trabajan en espejo, la tercera cántica tomará como modelo la concepción tolemaica del mundo, es decir: la tierra es el centro del universo y todo gira en torno a ella. Así va construyendo las diferentes esferas celestiales conforme a esa comprensión del universo. Desde la visión que se tiene desde la tierra mirando al cielo, la Luna viene primero, luego Mercurio, Venus, el Sol, Marte, Júpiter, Saturno y las estrellas fijas para entrar, a continuación, en el mundo de la divinidad; ese ingreso ya no resulta de la observación del movimiento planetario, sino de la fe; allí en ese último mundo celeste habita Dios, escoltado por los coros angélicos. En cada esfera, marcada por el derrotero del plantea correspondiente, habitan los santos identificados con el planeta; así en Marte lo harán los guerreros, como en Venus los santos amantes.

El Paraíso es la cántica más elaborada filosófica y teológicamente de las tres. Claramente al llegar a este punto del desarrollo de la obra, Dante es un poeta más trabajado tanto en la técnica empleada en el poema como en el mensaje a comunicar. Entre los primeros y los últimos versos del poema han pasado al menos quince años, los últimos de la vida de Dante, y se nota; Boccaccio, que fue un gran biógrafo y conocedor, además de divulgador de La Divina Comedia, dice que muy probablemente la primera parte del Infierno (hasta el canto VIII) fue escrita antes del exilio que comenzó en 1202; razón que justifica la rigidez de los primeros cantos con el resto de la obra hasta la sublimidad del Paraíso.

Claramente la obra está escrita con finalidad artística sin ninguna pretensión profética. Esto vale para no certificar como condenados a los personajes del Infierno como salvados a los del Paraíso. Se ve claro en las intenciones de Dante al forzar el criterio que emplea para justificar porqué Virgilio habita en el mundo de las sombras (Inf.,canto IV) y Catón (Purg., I) o Trajano (Par., XIX-XX) entre los salvados, mundo de la luz. Ninguno de los tres ha conocido a Cristo, argumento propuesto para ubicar en el Infierno a muchos justos o admirados por el poeta y, sin embargo, dispensa a Catón que, al estar en el Purgatorio, es alguien salvado, y Trajano, que está en el Paraíso. Para este último se ve obligado a hacer unas piruetas racionalmente inexplicables. Pero Dante es un artista y, como tal, goza de la libertad creativa que requiere cualquier obra.

Claramente, lo más importante no es lo que se diga de la obra sino lo que la misma obra nos dice a cada uno de nosotros lectores interesados en ella. Aquí van algunas sugerencias para leer más provechosamente La Divina Comedia.

1. Muñirse de una buena edición, con notas que identifiquen a cada personaje; son muchos.

2.No pretender comprender la obra en la primera lectura

3.Hacer una lectura con una guía, un dibujo, para distinguir adónde comienza y termina cada uno de los círculos del infierno, las terrazas del purgatorio y las esferas celestiales. Ordena la lectura.

4.Leer la obra por unidad temática, es decir: no cortar el relato en la mitad de un círculo del infierno, por ejemplo. Leerlo desde el inicio hasta el final. Luego se comenzará con otra unidad temática.

5.No leer la obra de un tirón; las consecuencias pueden ser desalentadoras porque se corre el riesgo de que cansen para quien no está habituado a este tipo de lectura.

6.No leer la comedia como único texto. Por la misma razón referida antes, para quien no está habituado a este tipo de obras, que no son propias de esta época, es recomendable intercalar lecturas menos demandantes.

A disfrutar a Dante porque podremos vivir sin haber leído su obra, pero luego de haberlo hecho somos distintos.

*El autor es Licenciado en Teología (UCA) y Licenciado en Letras (UBA)

Ilustración: Santiago Espeche Paraíso Terrenal, obra satelital intervenida.

Historia de un amor germano

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Historia de un amor germano

La ciudad de Münich alberga el BMW Museum, un edificio fantástico que muestra 125 piezas de exposición, entre autos, motos y propulsores, que dan cuenta de la evolución de la prestigiosa marca alemana y del mundo automotor en general. Una visita imperdible.

BMW es una de las marcas más prestigiosas del mundo en materia de autos y motos. Desde hace más de un siglo, su nombre implica distinción, calidad, jerarquía y estatus social. Por esta razón, visitar un sitio que contiene toda su historia y tantos hitos resulta fascinante para los amantes de los fierros. Hablamos del BMW Museum, que es uno de los museos más concurridos de la ciudad de Münich, centro de la región alemana de Bavaria. 

Las obras concluyeron unos meses después de los Juegos Olímpicos de Münich 1972 y el museo abrió sus puertas al año siguiente. El edificio de estilo futurista, de planta circular y color plateado, es obra del arquitecto austríaco Karl Schwanzer. Está situado muy cerca del Parque Olímpico, en un complejo que incluye la Torre BMW, el BMW Welt y la sede central del grupo automotor. En el año 2008 se amplió con una construcción baja, que pasó a albergar la exposición permanente; el edificio histórico redondo, en tanto, quedó reservado para las exposiciones temporales. El recorrido ofrece a sus visitantes una peculiar entrada en forma de espiral que da acceso a las exposiciones de vehículos, motores, avionetas, turbinas, motocicletas y todo tipo de elementos creados por la marca.

En 5000 metros cuadrados se exhiben alrededor de 125 piezas, que ilustran los más de cien años de historia de la empresa e incluyen los hitos del diseño de BMW, desde sus comienzos hasta hoy. Todas estas piezas constituyen una narración que muestra los avances tecnológicos, la evolución y una prometedora imagen del futuro.

Entre lo más destacado sobresalen el BMW Isetta (microcoche que tuvo un gran éxito en toda Europa tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial), el modelo original de la película de James Bond “El mañana nunca muere”, de 1997, y los automóviles de la BMW Art Car Collection, en la que han participado destacados artistas de todo el mundo desde 1975, como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Jeff Coons.

Párrafo aparte merece el convertible deportivo 507 que perteneciera a Elvis Presley cuando hizo el servicio militar en Alemania a fines de los años ´50. Un detalle increíble es que originalmente era blanco, pero Elvis lo hizo pintar de color rojo, cansado de que sus fans le dejaran estampadas muestras de su admiración con lápiz labial. El rey del rock and roll se lo llevó a Estados Unidos en 1960, más tarde lo vendió y estuvo durante casi 40 años juntando polvo en un depósito rural en California, hasta que la gente del museo lo compró, lo restauró y lo comenzó a exhibir en 2016.

Coches de carreras antiguos, premios, piezas y prototipos… El BMW Museum es una cita ineludible para los que disfrutan de este rubro, algo comprobado por alrededor de medio millón de turistas cada año. La visita al museo se puede completar con un paseo para ver los modelos más recientes, además de recorrer la fábrica para descubrir cómo se proyectan y construyen estas piezas soñadas por millones de personas alrededor del planeta.

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